Do réinforcé à Fa dièse

L'échelle diatonique

Sur un sifflet de soprano, la gamme de base couvre un peu plus d'une octave et demie. En montant, les notes naturelles sont :

do réinforcé, mi, fa, sol, la, si, do dièse, puis do dièse, mi, fa, sol.

Voici le motif que suivent vos doigts:

- Notes bas (C, D, E, F) recouvrent le plus de trous. Le do basal utilise les deux mains et tous les trous, ainsi que l'ouverture du trou du pouce à l'arrière fermée à 100%. Plus vous laissez de tube recouvert, plus la hauteur est basse.

- Notes moyennes (G, A, B) soulevez les doigts un à un, ouvrant plus de tube à mesure que vous montez.

- Notes aigües (do aigu, ré aigu, fa aigu) utilisent le soufflet du pouce : au lieu de fermer totalement l'ouverture arrière du pouce, vous la pincez, laissant une petite lune d'ouverture. Cette petite fente fait en sorte que le tube est divisé et surchauffe dans le registre supérieur, vous faisant sauter d'une octave. Obtenir une note aiguë claire est principalement liée à la taille de cette ouverture du pouce, pas à la pression de souffler.

Imaginez cela comme un immeuble à deux étages. Sol : do à environ ut. Pinchez le pouce et vous êtes au deuxième étage : les do, ré et fa aigus utilisent presque les mêmes doigtsages que les do, ré et fa bas, mais avec le soufflet du pouce ouvert.

Pourquoi pincer le pouce ?

Dieses und Fis entre les notes

Remplir les espaces

Les doigtages de base vous donnent une échelle diatonique : les notes blanches. Mais la musique a besoin des notes entre : F#, Bb, C# et les autres. Pour les obtenir, vous utilisez le croisement des doigts.

Le croisement des doigts signifie que vous fermez un trou qui se trouve sous un trou ouvert. Normalement, lorsque vous soulevez un doigt pour augmenter la hauteur, tous les trous en dessous restent ouverts. Dans un croisement des doigts, vous redescendez un de ces doigts inférieurs.

Pourquoi ça marche ? Pensez à la géométrie. Un recordeur est un tube ; la première ouverture laisse passer l'air comme si c'était la fin effective du tube. Fermer une ouverture en aval (sous la première ouverture ouverte) ne réouvre pas complètement le tube, mais il rend le chemin de l'air un peu plus long et plus détourné. Un tube effectif plus long signifie une note légèrement plus basse. Donc, une touche en aval peut émousser une note d'un demi-ton.

Exemple concret : Fa naturel sur un recordeur de soprano est le pouce plus les trois premières ouvertures de la main gauche plus une ouverture de la main droite. Fa dièse est la même idée, mais vous sautez une ouverture et ajoutez une ouverture inférieure de la main droite : l'ouverture ouverte donne une note plus aigüe, et l'ouverture fermée ci-dessous la tire légèrement vers le bas pour atterrir sur Fa dièse au lieu de Sol. Les croisements des doigts se sentent d'abord mal à l'aise parce que vos doigts ne sont plus dans une cascade droite, mais c'est ainsi que vous jouez dans toute tonalité.

Quel est l'avantage des croisements de doigts

Tonguing, Slurs, Staccato, Accents

Façonner Chaque Note

Sur un recordeur, vous ne commencez pas une note en 'soufflant'. Vous la commencez avec votre langue, de la même manière que vous commencez une syllabe. Cela s'appelle tonguing ou articulation, et c'est la moitié de sonner musical.

- Tonguing simple : dites un 'doo' ou 'too' doux pour démarrer chaque note. 'Doo' est plus doux et arrondi ; 'too' est plus pointu et précis. La respiration continue ; la langue ne fait que l'interrompre pour marquer où chaque note commence.

- Notes légato / liées par un arc : touchez seulement la première note, puis laissez le reste couler sans retouche : 'doo-oo-oo'. En notation, une ligne courbe (un arc) sur un groupe de notes signifie 'jouez ces notes dans un souffle, touchez seulement au début.' Les passages en legato ont l'air lisses et connectés.

- Staccato: des notes courtes et détachées. Dis un rapide « dit » ou « tut » : la langue démarre la note et arrête presque immédiatement l'air. En notation, une petite pointe au-dessus ou en dessous du notehead signifie staccato. Les notes staccato sonnent légères et rebondissantes.

- Accents: une note jouée avec un accent supplémentaire au début : un « TOO » plus fort. En notation, un symbole > au-dessus de la note signifie accent. Les accents font sortir une note de la ligne.

Une mélodie jouée avec toutes les mêmes notes plates « doo doo doo » est ennuyeuse. La même mélodie avec certaines notes liées, d'autres staccato et quelques accents soudains a soudainement de la forme et du caractère. L'articulation est la ponctuation de la musique.

Slur vs Staccato

Où Respirer

Respiration Sans Interrompre la Musique

Un instrument à vent ne peut pas respirer au milieu d'une idée, pas plus que vous ne pouvez prendre une respiration en plein milieu d'une phrase. Donc vous planifiez.

La musique est construite à partir de phrases : des phrases musicales courtes, généralement de deux ou quatre mesures, qui se sentent complètes sur leur propre. Une mélodie est une chaîne de phrases, de la même manière qu'une phrase est une chaîne de phrases.

La règle : respirer aux fins des phrases, où il y a une virgule ou un point naturel en musique. Respiration là, c'est invisible : ça sonne intentionnel. Respiration au milieu d'une phrase coupe la ligne en deux et sonne comme un oubli.

Méthode pratique :

- Regardez la pièce avant de la jouer. Trouvez les fins des phrases (souvent où une note longue est assise, ou où la mélodie redescend vers le bas).

- Marquez un petit signe de ponctuation (une virgule, ou le symbole utilisé pour un « marqueur de souffle ») dans votre partie à chaque endroit où vous prévoyez de respirer.

- Si une phrase est trop longue pour une respiration, trouvez l'endroit le moins disruptif à l'intérieur : généralement après une note plus longue ou juste avant un saut, jamais au milieu d'un rapide

- Prenez une respiration rapide, basse et silencieuse : suffisamment d'air, mais pas de gros soupir.

La bonne formulation est ce qui sépare 'jouer les bonnes notes' de 'faire de la musique'. Les notes sont les mots ; la formulation est la phrase.

Planification de la respiration

Pourquoi vous ne pouvez pas simplement souffler plus fort

Le secret sale du recorder

Sur un piano, vous appuyez plus fort pour être plus fort. Sur une guitare, vous frappez plus fort. Sur un recorder, si vous soufflez plus fort, la note devient aigu (la hauteur monte). Soufflez moins fort et la note devient grave (la hauteur descend). Donc 'soufflez plus fort pour le forte' ne marche pas : vous joueriez hors de l'intonation.

Pourquoi ? La hauteur du recorder dépend en partie de la vitesse de l'air dans la fente. Plus de pression, plus rapide l'air, plus haute la hauteur. L'instrument est construit de manière à ce qu'une vitesse d'air spécifique donne la note en l'intonation. En sortir et vous êtes aigu.

Alors, comment les joueurs de recorder modulent-ils les dynamics ?

- Contrôle de la vitesse de l'air avec soin. Vous pouvez être un peu plus fort ou moins fort en ajustant l'air, mais seulement dans une petite marge avant que la hauteur ne dérive. Vous apprenez cette marge par l'oreille.

- Ajustez la forme de la colonne d'air. Un courant d'air plus rapide et concentré provenant d'une gorge serrée et d'une position de langue rapide par rapport à un courant d'air plus chaud et plus large change la qualité et la perception du volume plus que la pression brute.

- Utilisez des doigtés alternatifs. Pour certaines notes, il existe un deuxième doigté qui sonne à un volume légèrement différent ou qui maintient la hauteur stable lorsque vous soufflez plus d'air. Les musiciens gardent ces doigtés dans leur poche arrière pour les passages forts ou doux.

- Formez les phrases avec l'articulation et le timing, pas seulement le volume. Une note qui est accentuée, ou légèrement étirée, ou bien bâillonnée avec précision lit comme plus forte, même au même dynamisme.

Écoutez un joueur de recorder de qualité et vous entendrez une mélodie qui respire et s'élargit : mais cela est fait avec un contrôle de l'air subtil, l'articulation et la phrasé, pas par la force brute. Le recorder récompense la finesse et punit la force musculaire.

Modeler les Dynamiques

Le thème rampant de Grieg

Un Petit air, Répété jusqu'à la Fureur

'Dans le Palais du Roi des Montagnes' est une courte pièce écrite par Edvard Grieg en 1875 pour la pièce Peer Gynt. Vous l'avez entendue : c'est la musique qui ressemble à des trolls qui vous approchent en silence et puis vous poursuivent.

Toute la pièce est construite autour d'un seul petit motif : une courte figure qui monte vers le haut quelques notes et puis redescend, et puis le fait à nouveau, un peu plus haut, et ainsi de suite. Dans une tonalité facile à jouer sur recorder comme mineur de Ré ou de Mi le motif se trouve dans une gamme de notes moyenne : pas d'acrobaties de haute volée.

Voici le génie de l'affaire. Le motif ne change pas beaucoup. Ce qui change, c'est l'énergie:

- Elle commence très lent et très doux (pianissimo, marqué pp): un tempo rampant, comme si vous marchiez à pas de mouche.

- Elle s'accélère progressivement (un long accelerando) et devient plus forte (un long crescendo).

- À la fin, c'est une galopade frénétique, fortissimo (ff), presque hors de contrôle.

Donc la pièce est facile : le contrôle est le plus dur. Le défi est de maintenir une accélération lisse et une augmentation de volume lisse sur toute la longueur, sans s'arrêter brusquement.

Comment le Pratiquer

1. Verrouillez le motif dans vos doigts. Jouez-le lentement et régulièrement, au même confortable tempo, jusqu'à ce que vos doigts le fassent sans réfléchir. Claquez la langue sur chaque note proprement.

2. Augmentez le tempo d'un cran à la fois. Utilisez un métronome. Jouez le motif quelques fois à une vitesse, augmentez légèrement le métronome, jouez-le à nouveau, augmentez encore. N'essayez jamais de sauter : vous voulez que l'accélération se sente comme une seule et même pente douce.

3. Ajoutez la dynamique en dernier lieu. Une fois que le tempo est solide, commencez le motif doucement et faites-le grandir plus fort à mesure qu'il devient plus rapide. Doux et lent en bas; fort et rapide en haut. Faites monter progressivement la poussée, pas un saut soudain.

4. Assemblez-le et jouez l'ensemble de l'arc : d'un pied dans la neige à un troupeau en fuite, en une construction continue.

Doublure du Tempo

Une Question Sur La Construction

Supposons que 'Dans le palais du roi montagnard' commence à environ note de quart de mesure = 80 BPM et se termine à environ note de quart de mesure = 160 BPM.

Convertir les BPM en secondes

La Mathématique Derrière Le Métronome

Le tempo est mesuré en battements par minute (BPM). Pour savoir combien de temps dure un battement, divisez 60 secondes par le BPM :

un battement (en secondes) = 60 / BPM

Exemple travaillé à note de quart de mesure = 120 BPM (donc le battement est une note de quart)

- un battement (une note de quart) = 60 / 120 = 0,5 secondes

- une note de demi-teinte = 2 battements = 2 x 0,5 = 1 seconde

- une note de toute-teinte = 4 battements = 4 x 0,5 = 2 secondes

- une mesure de 4/4 = 4 battements = 4 x 0,5 = 2 secondes

Et pour trouver combien de temps dure une étendue de musique :

durée = (nombre de mesures) x (battements par mesure) x (60 / BPM)

Exemple travaillé : combien de temps dure une section de 16 mesures en 4/4 à 100 BPM?

- une mesure = 60 / 100 = 0,6 secondes

- 16 mesures x 4 mesures/mesure = 64 mesures

- 64 mesures x 0,6 s/mesure = 38,4 secondes

Retour au Roi des Montagnes : si elle commence à la note de valeur de 80 BPM et se termine à la note de valeur de 160 BPM, le tempo a doublé, donc toute portion fixe prend moitié moins de temps à la fin. Une répétition qui a duré 6 secondes au début dure 3 secondes à la fin. Voilà l'accéléndo qui fait son travail : mêmes notes, moitié moins de temps.

Calculer la Durée d'une Section

À votre tour

Utilisez la formule : durée = (mesures) x (mesures par mesure) x (60 / BPM).

Duos et Rondes

Deux Flûtes Vaut Mieux Qu'une

Une fois que vous pouvez tenir votre propre ligne, la compétence suivante est de jouer cette ligne en même temps que quelqu'un d'autre joue une autre ligne. C'est le jeu d'ensemble, et c'est une nouvelle couche entière.

- Duo : deux joueurs, deux parties différentes qui s'adaptent. Généralement, l'une porte la mélodie (la mélodie que vous chantonneriez) et l'autre joue une ligne d'harmonie (notes qui se trouvent sous et soutiennent, ou une contre-mélodie qui entortille autour). Aucune partie ne fait sens seul ; ensemble, elles forment une pièce plus complète. Un simple minuet de Bach, par exemple, a une ligne de mélodie en haut et une ligne de basse plus calme qui se déplace sous elle.

- Ronde (canon) : tout le monde joue la même mélodie, mais chaque joueur commence une phrase plus tard que celui qui le précède. Puisque la mélodie est écrite de manière à ce que ses copies chevauchées s'harmonisent, elle a l'air d'une musique à plusieurs parties riche, même si il n'y a qu'une seule mélodie. 'A Sailor Went to Sea' fonctionne en tant que deux parties ronde : le deuxième joueur commence une phrase derrière le premier, et les notes s'alignent toujours joliment. De même pour 'Row, Row, Row Your Boat' et 'Frère Jacques'.

La nouvelle exigence de l'ensemble en matière de compétences est de compter les mesures silencieuses. Lorsque votre partie est silencieuse, vous n'avez pas le droit de vous reposer : vous continuez à compter les temps et les mesures dans votre tête afin de revenir exactement à temps. Réentrez d'une seconde en avance ou en retard et tout vacille. Observez l'autre joueur, écoutez les repères et comptez, comptez, comptez.

Jouer avec les autres resserre également tout le reste : votre tempo doit correspondre au leur, votre mise en accord doit correspondre au leur et votre phrasé doit s'entendre avec le leur. C'est la meilleure formation de l'ouïe possible.

Arriver à temps

Le flûte est la porte

Pourquoi vous venez d'apprendre tout ça

Regardez en arrière à tout dans cette leçon :

- Lire la notation, y compris les signatures de clé et les dièses et bémols qui s'y trouvent.

- Contrôler votre air : vitesse, concentration, la bande étroite qui vous maintient en accord.

- Coordonner les doigts sur les deux mains, y compris les doigts croisés gênants.

- Articulation : claquer la langue, legato, staccato, accents.

- Respiration et phrasé : planifier où respirer pour que la ligne coule.

- Dynamics : modeler le volume sans détruire la hauteur.

- Comptage d'ensemble : entrer exactement au bon temps après une mesure silencieuse.

Voici le point : c'est exactement ce que fait un flûtiste, un clarinettiste, un hautboïste ou un saxophoniste. Même notation. Même signature de clé. Même contrôle de l'air. Même coordination des doigts sur les deux mains. Même articulation. Même respiration et phrasé. Même comptage dans une bande.

Le récitant n'a pas de canal et un système de doigté simple, donc c'est la façon la plus rapide d'accéder à tout cela. Un élève qui joue du recorder bien entre dans la classe de musique et saisit un bois à vent en semaines, pas en années : car la lecture, le rythme, la respiration et le travail des doigts sont déjà là. La chose vraiment nouvelle est la embouchure : la façon dont vous formez vos lèvres et utilisez votre air sur une tige de flûte ou un canal. C'est réel, et cela nécessite de la pratique. Mais c'est une compétence supplémentaire parmi un tas que vous possédez déjà, au lieu de commencer par zéro.

Le recorder ne remplace pas la flûte, le clarinette, l'oboë ou le saxophone. Il les déverrouille. Classe de saxophone, flûte, clarinette, oboë : ils sont tous à la suite du recorder. Et il y a aussi des accès parallèles : un chemin de percussions / xylophone / cloches, une classe de piano, une classe de guitarre. Des portes différentes menant à la même bâtisse. Le recorder est celle qui ouvre sur l'ensemble de la aile bois à vent.

Ce qui est transférable

Bien fait

Vous avez beaucoup couvert

Après cette leçon, vous pouvez :

- Nommer la gamme complète du recorder soprano : la basse C jusqu'à la haute F, et expliquer le soufflet d'index qui vous fait passer dans l'octave aiguë.

- Expliquer le croisement des doigts : fermer un trou en dessous d'un trou ouvert pour obtenir les dièses et bémols, de sorte que vous puissiez jouer dans toute tonalité.

- Décrire l'articulation : claquer une langue ('doo'/'too'), glisser (claquer uniquement sur la première note), staccato (court 'dit'), et accents, et lire les lignes de portée, les points de staccato et les signes d'accent.

- Planifiez votre respiration : respirez à la fin des phrases, marquez les points avec un trait, ne coupez jamais une phrase en deux.

- Expliquez pourquoi les dynamics sur un recorder ne peuvent pas venir d'une souffle plus forte (le pitch devient aigu), et ce que les joueurs font à la place : vitesse de l'air, focus sur la colonne d'air, articulation et timing.

- Décrivez comment 'In the Hall of the Mountain King' fonctionne : un petit motif, un long accelerando et crescendo d'un pas de côté à une charge, et comment le pratiquer (verrouiller les doigts, augmenter le tempo d'un cran à la fois, ajouter les dynamics en dernier.).

- Faites de l'arithmétique du tempo : une mesure = 60/BPM secondes, et une phrase dure bars x beats-per-bar x (60/BPM) secondes.

- Expliquez le jeu d'ensemble : lignes de mélodie et de harmonie dans un duo, la structure échevelée de la même mélodie d'un round, et compter les mesures silencieuses pour entrer exactement au bon temps.

- Et le grand un : le recorder est la rampe d'accès le plus rapide à toute la famille des bois : flûte, clarinette, hautbois, saxophone sont tous en aval, et la seule chose vraiment nouvelle sur ces instruments est l'embouchure.