同じ運指、異なる音高

楽団全体の中心

ソプラノ・リコーダーのすべての穴を塞ぐと、Cの音が出ます。ソプラノはC管楽器です。つまり、楽譜に書かれた音と実際に鳴る音が同じ高さになります。

アルト・リコーダーのすべての穴を、同じ運指で塞ぐと、Fの音（4度低い）が出ます。アルトはF管楽器です。アルト奏者は、印刷されたCが自分の手のF運指と一致するように、F運指と呼ばれる別の運指表を学びます。

これは 移調楽器 の概念で、バンド全体に共通する仕組みです。B♭クラリネット、E♭アルトサックス、Fホルン：それぞれが楽譜上の C を読んでも、実際に鳴る音高は異なります。バンドが コンサート B♭ にチューニングするとき、クラリネット奏者は指を動かして C を読みます。その書かれた C が、実際のコンサート B♭ になるのです。

ここがポイントです。アルト・リコーダーの最低音が、書かれた音と実際の音高が異なる理由を理解できれば、オーケストラのすべての移調楽器を理解したことになります。リコーダーは、安価な2本の楽器を並べてその概念を早い段階で教えてくれます。

移調を説明する

合わせること、数えること、ブレンドすること

目の仕事が半分

一人で演奏するときは、自分だけをコントロールすればよいのです。合奏やバンドでは、自分をコントロールしつつ、他の全員とぴったり合わせなければなりません。その合わせる作業のほとんどは、目で行います。

リーダーに合わせる。 指揮者を見るか、小さな合奏ではリーダー（たいていは一番上のパート）を見ます。拍は指揮棒やリーダーの息の中にあり、自分の足の中にはありません。

複数小節の休符を数える。 パート譜に「12小節休む」と書いてある場合、その小節を正確に黙って数えます。数え間違えると入り損ねることになります。大きな休符は楽譜に印をつけておきましょう。指揮者のカウントを確認するために、時々顔を上げて見ることも大切です。

入りの合図。 自分のパートが再び入るときは、指揮者の合図にぴったり合わせて入ります。息は拍の直前に準備しておき、遅れても早くてもいけません。指揮者はあなたのパートが入る直前にそちらを見てくれることが多いです。それがあなたの合図です。

ブレンド。 自分のパートのイントネーション（同じ高さで音程を合わせる）、音色、そしてアーティキュレーション（各音の開始や形の作り方）を周囲に合わせ、誰一人として目立たないようにします。ブレンドとは横に耳を傾けることです。隣の人より明るくないか？大きいか？高いか？中心に寄せるようにしましょう。

ただ聞くだけでなく見ることも、ソリストがたまたま他の人と一緒にいるのではなく、本当のアンサンブル・プレイヤーであるための習慣です。

アンサンブルのスキル

トリル、モルデント、アッポジャトゥーラ、ターン

1600年代と1700年代はリコーダーの時代だった

18世紀後半に横笛に取って代わられるまで、リコーダーは主要なソロおよびアンサンブル楽器でした。そのレパートリーは膨大で中心的な位置を占めています。ゲオルク・フィリップ・テレマンはリコーダー・ソナタや弦楽とリコーダーのための大作 《イ短調組曲》 を書き、J.S.バッハは 《ブランデンブルク協奏曲》第2番・第4番 にリコーダーを用い、ヘンデルはリコーダー・ソナタを、ヴィヴァルディはリコーダー協奏曲を書きました。本格的なリコーダー奏者はこれらの作品に取り組みます。

バロック期の演奏家は楽譜に書かれた音符をそのまま演奏するのではなく、装飾を加えました。一部は書かれた記号に従い、一部は自ら即興で加えました。主な装飾は以下の通りです。

- トリル：書かれた音とその上の音を素早く交互に演奏するもの。しばしば音符の上に tr と記されます。

- モルデント: 素早く1回、下の音に下がって戻る装飾。まるで小さなつまずきと回復のようなもの。（上向きモルデントは逆に上の音に上がる。）

- アッポジャトゥーラ: 寄りかかる音。小さく書かれた装飾音符で、拍頭に不協和音として入り、主音へ1度進んで解決する。フレーズの中のため息のようなもの。

- ターン: 書かれた音の周りを4音で巡る装飾。上の音 → 本来の音 → 下の音 → 本来の音。横に寝かせたSのような記号で表される。

センスこそがすべて

装飾の原則：それは旋律線を飾るものであり、埋もれさせるものではない。すべての記号を最大回数繰り返す必要はない。すべてのトリルを最速で演奏する必要もない。フレーズが息をしたい場所——カデンツァ、長い音、フレーズの頂点——に置くこと。過剰に装飾された旋律線は神経質に聞こえ、センスよく装飾された旋律線は生き生きと聞こえる。

3つの装飾

温かい息は♯に寄る [BLOCK_TYPE CONTENT tuning/warming_up]

耳でわかる幾何学

リコーダーは温まるにつれて♯に上がります。温かい空気は速く伝わり、音波の速度も上がります。同じ管の中で波の速度が上がれば、ピッチは高くなります。曲の冒頭で冷えていたリコーダーは、演奏開始から数分の間に徐々に音が高くなっていきます。

チューニングするには、ヘッドジョイント（マウスピースがついた最上部の部分）を調整します。

- ヘッドジョイントを引き出すと、音程がフラットになります。有効な管の長さが長くなることで、音が低くなります。

- ヘッドジョイントを押し込むと、音程がシャープになります。管が短くなることで、音が高くなります。

管の長さと音程は反比例の関係にあります。空気柱を長くすると音程は下がり、短くすると上がります。ヘッドジョイントを少し動かすだけで、実際に音程の変化が聞き取れます。少しずつ動かして耳で確認しましょう。

何に合わせてチューニングするか。 現代のアンサンブルでは、A = 440 Hz（コンサートピッチの標準）に合わせます。歴史的考証に基づくバロックアンサンブルでは、しばしば低めの A = 415 Hz（440より約半音低い）に合わせます。そのため、415用に作られたバロック・リコーダーは440のアンサンブルでは浮いて聞こえます。チューニングする前に、どのピッチスタンダードを使うかを決めてください。

どちらの方向に動かす？

山の王の洞窟にて

みんなで一緒に加速する

エドヴァルド・グリーグの『山の王の洞窟』をリコーダー合奏用にアレンジしてみましょう。この曲は、短い動機が繰り返されながら上昇し、スピードと音量を増していき、最後に爆発するように盛り上がる構成になっています。

Split it into parts: one voice carries the melody (the motif itself), another weaves a counter-melody against it, and the bass line drives the relentless, stalking pulse underneath. The parts are not independent songs: they interlock. The bass tells everyone where the beat is; the counter-melody answers the motif; the melody sits on top and stays clear.

The hard part is the accelerando and crescendo: the music must get faster and louder, and that has to be coordinated across the whole consort. If one player speeds up alone, the piece falls apart. So everyone watches the section leader (or conductor), who sets and pushes the tempo: eyes up, breathe together, accelerate together. The crescendo works the same way: the section grows as one, not as a race between players.

The same skill applies to real Baroque repertoire in parts: a movement from a Telemann suite or a Bach Brandenburg has independent lines that must lock rhythmically and balance dynamically, with one player (or the harpsichord, or the conductor) holding the tempo. Whether it is Grieg arranged for fun or Bach played straight, the discipline is identical: read your line, lock to the pulse, follow the leader, blend.

Locking the Parts Together

学校のリコーダーグループをリードする

他の人が見る存在になる

学校のリコーダーグループやバンドのセクションでは、セクション・リーダーは最も経験を積んだ奏者で、周囲の全員をより良くするのが役割です。

- 若い奏者を助ける。 苦戦している奏者の隣に座り、パッセージをゆっくり演奏し、運指を一緒に確認し、息の使い方をお手本として示します。

- 良いトーンとイントネーションのお手本になる。 セクションは指示されなくてもリーダーを真似します。リーダーが明瞭で中心の定まったトーンで丁寧に音程を合わせれば、セクション全体がそれに近づきます。リーダーが雑だと、セクションも雑になります。

- 印を付ける。 息継ぎの位置を全員で合わせるために ブレス・マーク を書き込み、指揮者が指示した ダイナミクス を書き入れ、入りやすいところ や長い休符を丸で囲み、小節に番号を振る。よくマークされたパート譜は、プレッシャーの中でも自然に演奏できる。

- 短いセクショナル練習を行う。 難しい箇所を数分だけセクションで集まって woodshed する：問題の部分を切り出し、ゆっくり練習し、繰り返し、徐々に速くし、最後に全体の文脈に戻す。集中した5分で、フル・リハーサル1時間では直せない問題を解決できる。

リーダーシップとは一番大きな音を出したり一番速く演奏したりすることではない。信頼され、準備を怠らず、寛大であることである。他のメンバーが迷ったときに自然と目を向ける存在になることだ。

セクション・リーダーの役割

楽器は変わるが、音楽性は変わらない

リコーダーが価値ある理由

このレッスン全体が導いてきた主張は次のとおりです：リコーダー合奏で演奏することは、コンサートバンド、吹奏楽団、オーケストラの木管セクションで演奏するために必要なすべてを教えてくれます。

これまで練習してきたことを見てみましょう：自分のパートを読むこと、指揮者に従うこと、複数小節の休符を数えること、正確に演奏開始の合図を出すこと、音程・音色・アーティキュレーションをブレンドすること、管の長さを調整してチューニングすること、そして移調楽器（アルトリコーダーのC管とF管の切り替え）への対応です。これらすべては、バンドの木管パートにそのまま移行できます。読み方は同じ、リズムは同じ、息の支えは同じ、アンサンブルの規律も同じです。

そして楽器の系統も一致します。ソプラノからバスまでのリコーダー族は、木管楽器族に直接対応します：ピッコロ、フルート、オーボエ、クラリネット、サクソフォン類、バスーンです。リコーダー合奏からバンドの木管セクションへ移ることは、新しいスタートではなく継続です。各楽器で本当に新しいのはアンブシュア、つまりマウスピースで息を形作る口の使い方だけです。フルートのリッププレート、クラリネットのシングルリード、オーボエのダブルリード、サクソフォンのマウスピース：これらはそれぞれ新しい筋肉の記憶が必要です。アンブシュアの「後ろ」にあるものは、すでに身につけています。

だから上手なリコーダー奏者は、バンド・プログラムに加わって クラリネット、フルート、サックスを素早く習得 できる。難しい部分、すなわち音楽性はすでに身についているからだ。リコーダーは サックス・クラス、フルート、クラリネット、オーボエへ直接つながるオンランプ であり、コンソートでの経験はあらゆる管楽器アンサンブルへのオンランプとなる。並行するオンランプも存在する。打楽器やマレット、ベルは一つの道へ、ピアノは別の道へ、ギターはまた別の道へ。しかし木管楽器ファミリーにとっては、リコーダーがその扉となる。

移行するもの、新しくなるもの

これから持ち帰るものは？

最後にひとつ

あなたはリコーダーの階段を上ってきました。コンソートとその家族、すべてのバンドに共通するCとFの移調、アンサンブルでの読み方とブレンド、バロック期のリコーダー黄金時代における装飾、管長によるチューニング、パートごとの完全なアレンジ、そしてセクション・リーダーシップです。そしてその階段がどこへ続いているかも見てきました。まっすぐウィンドアンサンブルの木管セクションへとつながっています。

リコーダーは子どものおもちゃだと片付けられがちです。でも違います。リコーダーは木管楽器のすべてとアンサンブル演奏への入り口なのです。その扉をくぐれば、バンドの残りのメンバーが待っています。